Se anuncia la clase de incorporación al Salón de la Fama del Rock and Roll 2023

La ceremonia de incorporación al Salón de la Fama del Rock and Roll 2023 se llevará a cabo el viernes 3 de noviembre en el Barclays Center de Brooklyn.

Ryan Haidet

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Se revelan los miembros del Rock Hall 2023

Conoce la clase de este año

La ceremonia de juramentación de 2023 regresa a Nueva York

El Barclays Center de Brooklyn acogerá el evento de este año

La realeza del rock'n'roll

Cómo funciona el proceso de inducción

Kate Bush

Nominado anterior

Sheryl Crow

Nominado por primera vez

Missy Elliott

Nominado por primera vez, elegible durante el primer año

jorge miguel

Nominado por primera vez

Willy Nelson

Nominado por primera vez

Rabia contra la máquina

Nominado anterior

Los hilanderos

Nominado anterior

DJ Kool Herc

Premio Influencia Musical

Enlace Wray

Premio Influencia Musical

Chaka Khan

Premio a la excelencia musical

Bernie Taupin

Premio a la excelencia musical

Al Kooper

Premio a la excelencia musical

Don Cornelio

Premio Ahmet Ertegun

¿Qué nominados de 2023 no pasaron el corte?

Siempre hay el año que viene

CLEVELAND

Aquí. Nosotros. Ir.

Los miembros del Salón de la Fama del Rock and Roll 2023 se anunciaron el miércoles por la mañana y también supimos que la ceremonia de incorporación se llevará a cabo en Nueva York en noviembre.

¿Y, quién hizo el corte? La lista de la realeza del rock 'n' roll de este año incluye...

Puede leer biografías detalladas y ver videos musicales de la clase de este año a lo largo de la historia a continuación...

Esta categoría incluye artistas que han creado música cuya originalidad, impacto e influencia han cambiado el curso del rock 'n' roll.

Esta categoría incluye artistas cuya música y estilo de interpretación han influido, inspirado y evolucionado directamente en el rock 'n' roll y la música que impactan la cultura juvenil.

Esta categoría incluye artistas, músicos, compositores y productores cuya originalidad e influencia al crear música han tenido un impacto dramático en la música.

Esta categoría incluye profesionales de la industria no escénica que han tenido una gran influencia en el desarrollo creativo y el crecimiento del rock 'n' roll y la música que ha impactado la cultura juvenil.

Cleveland no será sede de la ceremonia de incorporación de este año, ya que el Salón de la Fama del Rock and Roll también reveló que el evento de 2023 se llevará a cabo en el Barclays Center en Brooklyn, Nueva York, el viernes 3 de noviembre.

"El increíble grupo de miembros de este año refleja los diversos artistas y sonidos que definen el rock & roll", dijo John Sykes, presidente de la Fundación del Salón de la Fama del Rock and Roll. “Nos sentimos honrados de que la ceremonia de juramentación de noviembre en Nueva York coincida con dos hitos en la cultura musical; el 90 cumpleaños de Willie Nelson y el 50 aniversario del nacimiento del Hip Hop”.

La información de las entradas se anunciará más adelante.

La última vez que Cleveland organizó una ceremonia de juramentación fue en 2021. El evento de 2022 se llevó a cabo en Los Ángeles.

Un artista o banda individual debe haber lanzado su primera grabación comercial al menos 25 años antes del año de la nominación para poder ser elegible, según el Salón de la Fama del Rock and Roll.

"Las papeletas de los nominados se envían a un organismo de votación internacional formado por más de 1.000 artistas, historiadores y miembros de la industria musical", explican los funcionarios del Rock Hall. "Se tienen en cuenta factores como la influencia musical de un artista sobre otros artistas, la duración y profundidad de su carrera y el conjunto de su obra, la innovación y la superioridad en estilo y técnica".

La promoción de 2023 incluyó a varios nominados por primera vez como Sheryl Crow, Missy Elliott, George Michael y Willie Nelson.

Nota del editor: el vídeo del reproductor de arriba se publicó originalmente en una historia no relacionada de Rock Hall el 26 de abril de 2023.

NOTA: Todas las biografías a continuación fueron proporcionadas por el Salón de la Fama del Rock and Roll.

Una visionaria fascinante, la cantante, compositora, multiinstrumentista y productora Kate Bush creó un espacio único en el rock. Usó exuberantes paisajes sonoros, experimentación radical, temas literarios, muestreos y teatralidad para cautivar al público e inspirar a innumerables músicos.

Kate Bush dirigió el curso de su carrera desde su infancia, luchando contra su sello discográfico por el control de su estética musical ecléctica y manteniendo el control estableciendo un estudio de grabación en casa y empresas editoriales y gestoras de su trabajo. El sencillo debut inspirado en Emily Brönte, “Cumbres borrascosas”, del álbum inaugural The Kick Inside (coproducido por David Gilmour de Pink Floyd) convirtió a Bush en una sensación de la noche a la mañana y en la primera artista femenina en alcanzar el número uno en las listas del Reino Unido con un tema escrito por ella misma. canción. Al álbum pronto le siguió la única gira de conciertos de Lionheart y Bush, que combinó música, danza, teatro, poesía, mimo, burlesque y magia. Descrita por la prensa como una “bestia extraordinaria con cabeza de hidra”, la gira fue citada por Elton John como “un punto de referencia para los espectáculos de la gente en el futuro”.

Después de una pausa de 12 años, Kate Bush lanzó el álbum doble aclamado por la crítica Aerial (2005), a la vez polifacético, experimental y rompedor de géneros. En 2014, regresó a los escenarios para un concierto en residencia en el Hammersmith Apollo de Londres. Las entradas se agotaron en 15 minutos y la aclamación resultante llevó a ocho de sus álbumes a aparecer en las listas simultáneamente, otra novedad para las mujeres en el rock. En 2022, el programa de televisión Stranger Things destacó la emotiva canción de Bush de 1985, “Running Up That Hill (A Deal With God)”, marcando el comienzo de otro renacimiento de Kate Bush y creando una nueva generación de fanáticos. La canción llegó al número uno en la lista de sencillos del Reino Unido y al Top Ten en los EE. UU., mientras que las transmisiones de la canción en Spotify aumentaron un 9.000 por ciento.

Kate Bush y su fascinante voz han influido en artistas que van desde Johnny Rotten hasta Tori Amos y Big Boi. Bush abrió puertas para que las artistas femeninas experimentaran de manera más radical con su música, imagen y teatralidad, inspirando a Björk, Solange, St. Vincent y muchas otras. Ella no es sólo una superestrella del rock, sino una leyenda.

La voz de Sheryl Crow está para siempre entretejida en el tapiz de la música estadounidense. A través de sus poderosas presentaciones en solitario, colaboraciones con íconos de la industria y sus primeros trabajos como músico de sesión, la influencia de Crow resuena a través del rock, pop, country, folk, blues clásico de los años 90 y el trabajo de innumerables cantautores.

Crow tuvo su gran oportunidad como corista para la gira mundial Bad de Michael Jackson en 1987. A partir de ahí, se convirtió en músico de sesión, proporcionando coros para Stevie Wonder, Belinda Carlisle y Don Henley, mientras escribía canciones para Celine Dion, Tina Turner y Wynonna Judd. Firmada con A&M como solista, Crow lanzó su álbum debut en 1993, Tuesday Night Music Club, ahora un clásico venerado que le valió tres de sus nueve premios Grammy, incluido el de Mejor Voz Femenina de Rock y Grabación del Año por “All I Wanna Do”. Crow produjo y tocó varios de los instrumentos de su segundo álbum homónimo de 1996, que fue otro éxito comercial y ganó dos premios Grammy adicionales. Su éxito continuó en la década de 2000 con los álbumes Platino C'mon, C'mon (2002) y Wildflower (2005) y Detours con certificación Oro (2008).

A lo largo de su carrera, Sheryl Crow ha colaborado con algunos de los nombres más importantes del rock y la música country (Keith Richards, Prince, Johnny Cash y Loretta Lynn, por nombrar algunos), dibujando un quién es quién de los artistas para trabajar en su autoidentificada. Álbum final, Threads de 2019. Las colaboraciones a nivel de supergrupo que Crow creó entre artistas veteranos y más jóvenes culminan en un álbum que resume su visión del mundo espiritual, política y musical. Threads incluye la socialmente consciente “Story of Everything” con Chuck D, Andra Day y Gary Clark, Jr., la arraigada “Prove You Wrong” con Stevie Nicks y Maren Morris, y Eric Clapton, Sting y Brandi Carlile versionando la canción de George Harrison. devocional “Cuidado con la oscuridad”.

El vasto catálogo de esta conmovedora superestrella del rock le valió a Sheryl Crow el título que le dio el cantautor de country Chris Stapleton: "Uno de los mejores que hemos tenido... y que jamás tendremos".

Missy “Misdemeanor” Elliott, compositora, productora innovadora, ejecutiva de un sello discográfico y creadora de tendencias en videos, fue crucial para crear el sonido de Virginia Beach que se apoderó de las ondas a finales de los años 1990 y 2000. Se estableció como una compositora y productora muy solicitada y fundó su propio sello discográfico, todo antes de convertirse en una estrella solista con ventas de platino. Elliott forjó nuevos caminos para las mujeres en la industria musical y la sociedad en general a través de su dominio detrás de escena y su absoluta propiedad de su cuerpo, sus deseos sexuales y su negritud en su música.

Son momentos en los que me conecto y veo que eres irrelevante, eres un fracaso, estás fracasado y a veces me aplastaría. PERO Dios, tú me hiciste FUERTE, seguí adelante y permitiste que mis décadas de TRABAJO HABLARAN por sí solas. gracias a todos mis seguidores💜 LOS AMO💜 pic.twitter.com/gkHUttWoU5

El álbum debut de Missy Elliott, Supa Dupa Fly (1997), estableció su sonido: una producción futurista plagada de distorsiones discordantes bajo su inimitable estilo de rap. Escupió tonterías onomatopéyicas, cantos y síncopas irregulares con un característico acento urbano sureño. En este y álbumes posteriores como Miss E...So Addictive! (2001) y su producción propia The Cookbook (2005), Elliott tomó lo extraño y lo hizo no sólo accesible, sino también el sonido más buscado en el hip-hop y el R&B. La estética de sus vídeos musicales resultó tan deliciosamente fuera de lugar como su música con efectos visuales que transforman el cuerpo. Elliott canta con la cabeza separada (“One-Minute Man”), luce una cabeza retráctil (“Get Ur Freak On”) y exagera y celebra su tamaño con la ayuda de una lente ojo de pez y un traje inflable de charol (“ La lluvia").

Missy Elliott, una verdadera pionera en un género dominado por los hombres, fue la primera rapera (y la tercera artista de hiphop) incluida en el Salón de la Fama de los Compositores y en ganar el premio MTV Video Vanguard. Entre sus otros reconocimientos se encuentran cuatro premios Grammy, dos doctorados honoris causa y el premio a la pionera musical del Día del Emprendimiento de la Mujer otorgado por las Naciones Unidas. También tiene el récord de más álbumes de platino de una rapera con seis años. Elliott ha producido y/o escrito canciones para un verdadero quién es quién de las estrellas, desde Aaliyah y Beyoncé hasta Eminem y Lizzo.

George Michael poseía un talento extraordinario como compositor, vocalista y productor. Su incomparable visión y empuje lo impulsaron al estrellato y se convirtió en el artista más reproducido en la radio británica de 1984 a 2004 y uno de los artistas con más ventas de todos los tiempos.

George Michael formó el dúo pop Wham! con su compañero de escuela Andrew Ridgeley en 1981. Alcanzaron el estatus de ídolos adolescentes con éxitos como "Wake Me Up Before You Go-Go" y el megaéxito navideño atemporal "Last Christmas". La primera incursión de Michael en el centro de atención en solitario con los éxitos introspectivos "Careless Whisper" y "A Different Corner" finalmente significó el fin del grupo en 1986.

Después del éxito pop mundial de Wham!, en 1987, George Michael compuso el exitoso dúo “I Knew You Were Waiting for Me” con Aretha Franklin y lanzó su debut solista autoproducido, Faith. Con ganchos bien elaborados, letras maduras e influencias funk y Motown, Faith fue un éxito número uno con cuatro sencillos exitosos, incluida la canción principal y “Father Figure”. Fue el primer álbum de un solista blanco que lideró la lista de los mejores álbumes negros de Billboard y sigue siendo uno de los LP más vendidos de todos los tiempos. Se pueden escuchar ecos en las voces apasionadas y las letras personales de artistas desde Adele hasta Lady Gaga y Mary J. Blige.

Queriendo que su música hablara por sí misma, George Michael se negó a aparecer en la portada del álbum y en los vídeos musicales de Listen Without Prejudice Vol. 1. El álbum es una obra maestra que alude a la lucha de Michael como hombre gay encerrado durante el apogeo de la epidemia de SIDA. Sin embargo, después de salir del armario en 1998, Michael se negó a volver a rehuir la honestidad, allanando el camino para una generación de orgullosos artistas LGBTQIA+, desde Sam Smith hasta Lil Nas X y Troye Sivan.

George Michael murió en 2016, dejando un legado notable como artista brillante, activista, filántropo y defensor de la autenticidad del artista.

Con más de 60 años en el negocio de la música, Willie Nelson (n. 1933), compositor, intérprete, proscrito antisistema, activista político y filántropo, es una institución estadounidense. Puede que Nelson considere la música country su hogar, pero siempre ha superado los límites estilísticos: mezclando rock & roll, jazz, pop y blues.

El primer éxito de Nelson llegó escribiendo éxitos para las estrellas más importantes del country, incluidas Patsy Cline (“Crazy”) y Ray Price (“Night Life”), y canciones que se han convertido en estándares (“Funny How Time Slips Away”). En 1962, Nelson lanzó el primero de 73 álbumes de estudio en solitario. Pero le irritaba trabajar dentro de los confines de Nashville, y en 1972 regresó a Texas para hacer música en sus propios términos. Conectando con la contracultura de Austin, Nelson grabó para Atlantic, combinando country con rock y blues. Canciones como la autobiográfica “Me and Paul” (1971) se mueven y se balancean con toques de blues, mientras que el pedal steel y el piano se elevan en primer plano. Nelson y los co-conspiradores Waylon Jennings, Jessi Colter y Tompall Glaser marcaron el comienzo del movimiento Outlaw Country, con su Wanted! The Outlaws se convierte en el primer álbum country en obtener platino.

En 1975, Nelson era una superestrella. Su álbum conceptual Red Headed Stranger (1975) obtuvo su primer éxito número uno, "Blue Eyes Crying in the Rain". Al más puro estilo proscrito, Nelson lanzó un álbum de gospel, Troublemaker (1976), y un álbum de estándares pop (producido por Booker T), Stardust (1978); ambos fueron al número uno. Mientras continuaba creando el catálogo de sueños de un compositor, Nelson también formó el supergrupo Highwaymen con Jennings, Johnny Cash y Kris Kristofferson. Ha colaborado con artistas tan diversos como Ray Charles, Julio Iglesias, Paul Simon, Bob Dylan, Sheryl Crow, Wynton Marsalis y Snoop Dogg.

El trabajo de Willie Nelson ha influido en generaciones de músicos, desde Neil Young hasta John Mellencamp y Kacey Musgraves, y sus acciones personales han apoyado el bienestar de millones de estadounidenses. En 1985, Nelson cofundó Farm Aid para ayudar a los agricultores familiares. Es copresidente de NORML, que apoya la legalización de la marihuana, y aboga por numerosas causas, incluido el bienestar animal y los derechos LGBTQIA+.

El mejor rock & roll es la voz del cambio, y Rage Against the Machine sacudió los cimientos del status quo: lírica, sonora y filosófica. La banda mezcló hip-hop, punk, metal, funk y rock de una manera completamente nueva. Apuntaron a sistemas de poder opresivos (culturales, políticos y económicos) y establecieron un nuevo estándar sobre cómo iniciar una revolución a través del poder de la música.

Formado en 1991, el debut homónimo del cuarteto de Los Ángeles en 1992 y Evil Empire de 1996 llevaron el raprock a la corriente principal y establecieron a Rage Against the Machine como una fuerza poderosa que aprovechaba la fuerza del desafío a los límites sonoros. La voz punzante inspirada en el hip-hop de Zack de la Rocha se basó en sus días al frente de una banda de hardcore. La sección rítmica del bajista Tim Commerford y el baterista Brad Wilk aumentó la urgencia de la entrega de De la Rocha con ritmos profundos y pesados ​​fundamentados por un ritmo de fondo contundente: ninguna sección rítmica podría maximizar el volumen mientras se mantuviera en el bolsillo con mayor habilidad. El guitarrista Tom Morello llevó la hibridación rap-rock más allá de los grupos contemporáneos. Usó pedales, interruptores de palanca y afinaciones alternativas para incorporar efectos normalmente creados por tocadiscos, samplers y sintetizadores de hip-hop en el lenguaje del heavy metal a través de los riffs impulsores y los solos icónicos de Rage.

Rage Against the Machine formaban parte de una tradición musical deudora de MC5, The Clash y Public Enemy. Si bien muchas bandas de rock de la década de 1990 apoyaron cuestiones de justicia social, la política rebelde de Rage Against the Machine se mantuvo muy por encima. Dentro y fuera del escenario, los miembros de la banda dieron voz a los impotentes, denunciando las desigualdades locales y globales y criticando la censura, el amiguismo corporativo y la extralimitación del gobierno. Sus letras eran inteligentes y mordaces; “Libertad” destacó la difícil situación de Leonard Peltier, un líder nativo americano encarcelado, mientras que “Pueblo del Sol” mostró solidaridad con los ciudadanos mexicanos tiranizados. Incluso hoy, sus letras siguen siendo relevantes. “Killing in the Name”, una dura denuncia del racismo y la brutalidad policial, todavía resuena profundamente en ciudades de todo Estados Unidos. Rage Against the Machine forjó una música de protesta descarada para el mundo moderno.

The Spinners siguen siendo uno de los grupos vocales de R&B más queridos del mundo, celebrado tanto por sus fans como por otros artistas. Inicialmente una banda de Motown con orígenes en Detroit, las armonías exuberantes y conmovedoras de los Spinners y su presencia magnética en el escenario llegarían a definir el soul de Filadelfia. Lograron un éxito masivo, con sus canciones llenando las ondas y conectando con oyentes de todo el mundo.

Antes de establecerse en la alineación clásica de cinco hombres formada por Henry Fambrough, Billy Henderson, Pervis Jackson, Bobbie Smith y Philippé Wynne, los Spinners pasaron casi dos décadas en su Detroit natal. Comenzando en el sello Tri-Phi de Harvey Fuqua, los Spinners lanzaron su sencillo debut "That's What Girls Are Made For" en 1961. En 1964, el grupo había pasado al sello VIP de Motown, donde "I'll Always Love You" se convirtió en su primer sencillo de R&B en las listas del sello, alcanzando el puesto número ocho. El grupo también tuvo un sencillo Top Five de R&B con “It's a Shame” de 1970, coescrito y producido por Stevie Wonder.

Dos años más tarde, a instancias de Aretha Franklin, los Spinners se mudaron a Atlantic, donde se asociaron con el productor y compositor de Filadelfia Thom Bell, una elección perfecta dado su trabajo previo con los Delfonics y los Stylistics. El grupo se convirtió en una máquina de crear éxitos con cuatro éxitos número uno de R&B en menos de 18 meses: "I'll Be Around", "Could It Be I'm Falling in Love", "One of a Kind (Love Affair)" y “Poderoso amor - pt. 1.” The Spinners lanzaron 12 sencillos consecutivos Top Ten de R&B durante sus primeros cinco años en Atlantic. La era disco trajo grandes éxitos cruzados con "They Just Can't Stop It (The Games People Play)", "The Rubberband Man" y con Dionne Warwick "Then Came You", número uno en el Billboard Hot 100.

En las décadas siguientes, los Spinners lanzaron ocho álbumes más, incluido 'Round the Block and Back Again' de 2021, ganando innumerables nuevos fanáticos en todos los continentes atraídos por las alegrías eternas del R&B clásico. Íconos como Elton John, David Bowie y Elvis Costello han cantado sus alabanzas.

Todo lo que ahora reconocemos como la enorme fuerza cultural del hip-hop comenzó hace 50 años en el Bronx con los tocadiscos de DJ Kool Herc. Herc fue uno de los padres fundadores de la música hip-hop. Emigró de Jamaica a Nueva York en la década de 1960 y comenzó a organizar fiestas en su vecindario a principios de la década de 1970, donde tocaba éxitos de funk y soul en sus tocadiscos. Una de esas fiestas, un evento de regreso a clases para su hermana Cindy, celebrada en 1520 Sedgewick Avenue el 11 de agosto de 1973, es ampliamente considerada como el momento en que comenzó la cultura hip-hop, cuando todos los elementos se reunieron en un solo lugar. . Esta semilla eventualmente crecería hasta convertirse en dominio global, tanto para la música como para la cultura circundante.

Herc era conocido por su poderoso sistema de sonido y por utilizar un maestro de ceremonias para entusiasmar a la audiencia, ambos inspirados en sus raíces jamaicanas. Herc se diferenció rápidamente de los disc jockeys tradicionales al utilizar dos tocadiscos y un mezclador para crear un flujo continuo de música. En lugar de reproducir los discos en su totalidad, desarrolló su técnica característica "Merry-Go-Round", que extendía la pausa instrumental de una canción durante largos períodos de tiempo. Estos "breakbeats" extendidos proporcionaron la base musical temprana para que los bailarines de break (b-boys y b-girls) mostraran sus movimientos. Herc convirtió canciones como “Apache” de Incredible Bongo Band, “It's Just Begun” de Jimmy Castor y “Give It Up or Turn It Loose” de James Brown en los pilares del sonido hip-hop.

La innovación y experimentación de Herc con la música ayudaron a crear el modelo para el hip-hop y prepararon el escenario para que futuros artistas pudieran desarrollarse. Tomó la música y la tecnología existentes e innovó nuevas formas de pensar sobre cómo se podía tocar la música, cómo podía interactuar directamente con la audiencia y, eventualmente, cómo maestros de ceremonias como Coke La Rock y los Herculords rapearían sobre sus ritmos. Herc jugó un papel decisivo en el desarrollo de la cultura y la comunidad del hip-hop y ayudó a crear un espacio para que los jóvenes se expresaran creativamente a través de la música y la danza. En palabras del propio Kool Herc: “¡Y no para!”

Si hay un músico con una influencia primordial sobre todos los guitarristas de rock –desde el rock británico de los 60 hasta el punk de los 70, el hardcore de los 80 y el grunge de los 90– ese músico es Link Wray. Cada joven rebelde que se ha puesto una chaqueta de cuero y ha tocado una guitarra eléctrica con un abandono ruidoso y distorsionado tiene una deuda importante con Wray. Con un espíritu de bricolaje y una intensidad eléctrica como ningún otro guitarrista, Wray estaba una década adelantado a su tiempo cuando surgió en la década de 1950. Adoptó sonidos que rara vez se habían escuchado antes (distorsión, fuzz, trémolo y efectos wah-wah), todos los cuales se han convertido en elementos básicos de la guitarra de rock. Wray fue el punk original, el inventor del power chord y el arquitecto de un sonido que sentó las bases del metal, el punk y todos los géneros que dependen del ruido crudo e indómito para transmitir su mensaje.

Criado en Carolina del Norte con orígenes Shawnee, Fred Lincoln Wray, Jr., se unió a sus hermanos en una banda que tocaba una mezcla de música country y rockabilly. Si bien su familia sufrió discriminación racial debido a su origen nativo americano, Wray luego honró su herencia en canciones como “Comanche” y “Shawnee”.

Legiones de guitarristas testifican que el "big bang" para ellos fue la primera vez que escucharon el revolucionario instrumental "Rumble" de Link Wray, una losa irregular de distorsión brutal y vanguardista que él creó en 1958. El ataque sonoro rebelde de "Rumble" cortó a través de la radio Top 40 como una apisonadora, resonando a través del Atlántico e hipnotizando a la primera generación de héroes de la guitarra británica. Posteriormente, Wray grabó muchos más clásicos instrumentales legendarios, todos los cuales exudaban una energía tensa y primitiva que capturó perfectamente la esencia de la adolescencia y cambió el rock & roll para siempre.

En la década de 1960, después de cansarse de los intentos de la industria musical por limpiar su imagen, Wray regresó a la granja de su familia en Maryland y construyó su propio estudio de grabación. Su álbum de regreso de 1971, Link Wray, fue una fusión de country, blues, gospel y folk rock en el que cantó y tocó varios instrumentos. Más tarde, en la década de 1970, grabó y actuó con el revivalista del rockabilly Robert Gordon antes de trasladarse a Dinamarca. Wray continuó grabando y actuando hasta bien entrados los setenta, todavía vistiendo cuero negro y tocando ruidoso y orgulloso hasta su muerte en 2005.

La influencia de Link Wray ha resonado a lo largo de los siglos. Nombrado uno de los 100 mejores guitarristas de Rolling Stone, su impacto se puede escuchar en las generaciones de guitarristas británicos y estadounidenses que lo siguieron, incluidos Jeff Beck, Jimmy Page, Eric Clapton, Jimi Hendrix y Bruce Springsteen. Pete Townshend dijo la famosa frase: "Si no hubiera sido por Link Wray y 'Rumble', nunca habría cogido una guitarra".

Reina del funk, diosa del rock, cantante de jazz, diva del disco: Chaka Khan los encarna y los trasciende. Con una voz de fuego seductor y humo dulce, Khan saltó a la fama con el innovador grupo de funk/rock Rufus en la década de 1970. Igualmente feroz y femenina, ella era el arma secreta de Rufus. En un momento en que las audiencias del rock y el soul se dividían en diferentes campos, la voz y la presencia de Khan representaban la integración racial y social en el corazón del rock & roll.

Con su increíble rango vocal y dominio de la dinámica, Chaka Khan ha grabado música poderosa y duradera durante casi cinco décadas. Después de una larga serie de éxitos de Rufus, Khan se lanzó por su cuenta en 1978 con “I'm Every Woman” de Ashford & Simpson, una exitosa mezcla de rock y disco. A lo largo de su carrera, Khan dominó los ritmos de cada época, desde el funk hasta el rock y el hip-hop; También mostró sus raíces de jazz en álbumes como Echoes of an Era (1982) y ClassiKhan (2004). Su histórico álbum en solitario, I Feel for You de 1984, presentó la mezcla creativa y emocionante de funk, ritmos de baile sintetizados y hip-hop de la canción principal escrita por Prince y la impresionante balada "Through the Fire". Khan sigue siendo una de las cantantes más prolíficas y eclécticas que existen, interpretando estándares de cancioneros y clásicos del soul con igual éxito, y ganando el Grammy de 2008 al mejor álbum de R&B con Funk This, su décimo premio Grammy. El álbum más reciente de Khan, Hello Happiness, se lanzó en 2019.

Inspirada por artistas femeninas pioneras como Aretha Franklin y Joni Mitchell, Chaka Khan sigue siendo una de las voces más poderosas e influyentes de la música. Es imposible imaginar a las astutas pero sensuales divas del hip-hop-soul de hoy sin que la influencia de Khan allane el camino para otras mujeres formidables como Mary J. Blige, Erykah Badu y Janelle Monáe, así como para vocalistas versátiles y poderosos como Sam Smith. El trabajo de Khan ha perdurado durante décadas y continúa inspirando a otros artistas y fanáticos por igual.

La asociación de compositores de Bernie Taupin con Elton John es una de las más exitosas en la historia del rock & roll. Su colaboración de más de 50 años comenzó en 1967, cuando Taupin y John respondieron a un anuncio de la industria musical que buscaba compositores. En 1970, "Your Song" se convirtió en su primer éxito, iniciando una racha de catorce éxitos Top Ten en la década de 1970 que incluían "Rocket Man", "Crocodile Rock" y "Philadelphia Freedom". Con su composición narrativa influenciada por la música folk de Woody Guthrie y Lead Belly, el blues de Lightnin' Hopkins y la música country de Johnny Cash y Marty Robbins, las letras introspectivas de Taupin sirvieron como precursoras del movimiento de cantautores de la década de 1970. . Las ricas palabras de Taupin crean las imágenes evocadoras con las que Elton John compone melodías que han resonado en millones de oyentes. El legado de Taupin-John se encuentra entre los dúos de compositores más notables del rock & roll, incluidos Lennon-McCartney, Goffin-King, Jagger-Richards, Leiber-Stoller y Ashford-Simpson.

Taupin y John continuaron logrando éxito comercial y de crítica en las décadas de 1980 y 1990 con éxitos como "I'm Still Standing", "Nikita" y "Club at the End of the Street". Mientras el mundo lloraba la repentina pérdida de la princesa Diana a finales de 1997, la letra reescrita por Taupin de “Candle in the Wind 1997” tocó los corazones de millones; El emotivo tributo encabezó las listas de Billboard durante 14 semanas, convirtiéndose en el segundo sencillo más vendido de todos los tiempos.

Además de su trabajo con Elton John, Taupin ha escrito canciones para otros artistas, incluidos Alice Cooper y Brian Wilson, y obtuvo éxitos número uno con canciones como "We Build This City" de Starship y "These Dreams" de Heart. En 2006, Taupin ganó un Globo de Oro por "Un amor que nunca envejecerá" de la película Brokeback Mountain. Más recientemente, obtuvo un Premio de la Academia por “(I'm Gonna) Love Me Again” de la película biográfica Rocketman. Taupin fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores en 1992.

Una enorme influencia en la música estadounidense, el compositor, multiinstrumentista, cantante, arreglista y productor Al Kooper ha colaborado con los nombres más importantes del rock & roll. Kooper comenzó su carrera como músico de sesión adolescente con los Royal Teens mientras también era aprendiz de ingeniero de audio y trabajaba con el equipo de compositores de Bob Brass e Irwin Levine, el último de los cuales produjo el éxito número uno de 1965 "This Diamond Ring" de Gary. Lewis y los Playboys. Ese mismo año, Kooper fue invitado a ver una sesión de grabación de Bob Dylan y, en cuestión de horas, terminó improvisando el característico riff de órgano B2 Hammond en “Like a Rolling Stone”, tocando junto al guitarrista de blues Mike Bloomfield. Las amistades de Kooper con Dylan y Bloomfield resultaron en varias oportunidades de actuación, incluido el set eléctrico de Dylan en el Newport Folk Festival de 1965 y el álbum de 1966 Blonde on Blonde, Super Session with Bloomfield y Stephen Stills (1968), The Live Adventures of Mike Bloomfield y Al Kooper ( 1969), y cientos de otros discos con los Rolling Stones, The Who, John Lee Hooker, Jimi Hendrix Experience, Alice Cooper, Cream, Tom Petty y Joe Walsh. Kooper también produjo discos y álbumes para tres de los cuatro Beatles como solistas, BB King, The Tubes y Nils Lofgren de la E Street Band; firmó a los Zombies con Columbia y a Richard Thompson con PolyGram Records; y fundó su propio sello discográfico, Sounds of the South, donde descubrió a Lynyrd Skynyrd y produjo su trabajo fundamental.

Kooper es quizás mejor conocido por su trabajo con las bandas Blues Project y Blood, Sweat & Tears. Kooper se unió al Blues Project en 1965, cuyas ardientes actuaciones cimentaron el sonido del blues urbano de los años 60. La composición instrumental de jazz de Kooper "Flute Thing" de Projections de 1966 fue posteriormente muestreada por los Beastie Boys en "Flute Loop" de su álbum de 1994 Ill Communication. La música de Kooper también ha sido sampleada por Jay-Z, Pharcyde y The Alchemist, entre muchos otros artistas de hip-hop. En 1967, Kooper dejó el Blues Project para formar Blood, Sweat & Tears con el guitarrista Steve Katz. La banda logró el éxito comercial con su álbum homónimo, que incluía canciones como "You've Made Me So Very Happy" y "Spinning Wheel". El papel de Kooper fue crucial, creando el sonido de blues-rock con mucha trompeta y contribuyendo con teclados, guitarra y voz.

Al Kooper jugó un papel vital a la hora de llevar al escenario mundial algunos de los músicos y la música rock de raíces más notables de las décadas de 1960 y 1970. Su trabajo como compositor, sesionista y productor lo sitúa entre los gigantes de la música popular.

Como creador, productor y presentador de Soul Train, Don Cornelius diseñó el “viaje más moderno de Estados Unidos” durante más de dos décadas. Él solo creó una plataforma televisada a nivel nacional para la música y la cultura afroamericana que presentaba a los nombres más importantes del soul, el R&B y el hip-hop. Soul Train fue un escaparate para luminarias de la música negra como James Brown, Aretha Franklin y Stevie Wonder, al mismo tiempo que sirvió como plataforma de lanzamiento para futuras estrellas como LL Cool J, New Edition y Mariah Carey. Cornelius creía en el movimiento “Lo negro es hermoso” de la década de 1960 y dijo que “tenía un deseo ardiente de ver a los negros presentados en la televisión de una manera positiva”. Soul Train marcó tendencias duraderas en la música, la danza y la moda, y el carismático Cornelius transformó el espectáculo en uno de los movimientos culturales más formativos del mundo.

Don Cornelius fue uno de los primeros afroamericanos en desempeñarse como creador y productor ejecutivo de un programa de televisión. Soul Train se remonta a los días de Cornelius como reportero de noticias en Chicago, donde organizaba conciertos en escuelas secundarias locales; el rápido horario de escuela a escuela de la serie se denominó "Soul Train". Para agilizar su operación, Cornelius cambió su enfoque a la televisión con un espectáculo de baile diario por la tarde en el WCIU-TV local de Chicago. Soul Train, que debutó el 17 de agosto de 1970, fue un éxito inmediato y el programa se expandió rápidamente a otras siete ciudades y trasladó su sede a Los Ángeles. Para los espectadores, Soul Train fue un soplo de aire fresco: actuaciones musicales cautivadoras, conversaciones sin guión a mitad del programa, líneas de productos comercializadas específicamente para una audiencia negra y, por supuesto, la infame “Soul Train Line” que finaliza cada transmisión. Questlove ha afirmado el gran impacto del programa, llamándolo "un hermano, un padre, una niñera, un amigo, un libro de texto, un noticiero, una escuela de negocios y una iglesia".

Don Cornelius creó un vehículo para que el soul, el R&B, el dance y el hip-hop llegaran a nuestras salas de estar. En el proceso, se convirtió en un emprendedor visionario que abrió la puerta (y la mantuvo abierta) para que muchos otros lo siguieran.

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